di MARCO SOTTORIVA

Il cinema di F.J. Ossang può essere letto nei termini di un cinema post-moderno. Al di là del contenuto citazionista, però, una delle caratteristiche dell’arte tipica del post-modernismo è la rappresentazione di una realtà sociale frammentata, relativa, precaria. E come per qualsiasi approccio estetico, anche l’arte di Ossang sembra scaturire da riflessioni che, della vita, contemplano sia la superficie sia ciò che rimane nel profondo, nei pensieri consci o nella realtà dell’inconscio così com’è rappresentata, anche, attraverso la materia onirica. L’approccio della psicoanalisi sembra adatto a contemplare tanto l’esistenza quanto la necessità, a volte, di quella relatività tipica di ogni realtà.

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F.J. Ossang – regista, scrittore e musicista pioniere del rock alternativo – autore di culto dal forte impatto e originalità è sicuramente uno dei registi meno normalizzati sul panorama cinematografico internazionale. A Venezia arriva in prima mondiale con Dharma Guns – il suo quarto lungometraggio – in concorso nella sezione Orizzonti. Accolto da un lungo e caloroso applauso alla sua prima proiezione pubblica, Ossang ha lavorato in passato con Joe Strummer ex-cantante dei Clash e con William S. Burroughs, esponente della beat generation. Il film è un lungo viaggio verso l’ignoto in cui il protagonista – Stan – risvegliandosi dal coma, dopo un incidente di sci d’acqua nel quale rimane uccisa la fidanzata Délie, apprende di essere l’erede del misterioso professor Starkov. Partito verso il paese di Las Estrellas viene a sapere che il professor Starkov – probabile padre di Dèlie – ha creato un procedimento chiamato “doppio genetico” di cui Stan e Dèlie potrebbero esserne state le cavie. Inizia – così – per Stan un’odissea di espiazione in cui intuito e telepatia accelerano il corso del tempo…
“Dharma Guns – dice Ossang – è un film che ho realizzato dopo diversi anni di silenzio nei quali ho viaggiato, scritto, e meditato sul film senza, però, smettere di guardare l’evoluzione del cinema contemporaneo. Ho voluto attingere – continua Ossang – a un cinema di rivelazione bianco e nero, sole, oscurità, foschie ed elettricità come unici elementi. Lontano dal rivendicare una forma cinematografica post moderna vorrei riaffermare un cinema moderno e al contempo espressione di uno stile antico senza ricorrere ad un eccesso di immagini, tornando ad una poetica cinematografica di volti e paesaggi. In un tempo in cui la morte “industriale” del cinema sembra essere razionalmente, tecnicamente ed economicamente organizzata – conclude Ossang – spero di dimostrare che un cinema di poesia e avventura fantastica è possibile, o meglio, è necessario”.

Posted 02/26/2019 by Marco Minniti

9 Doigts

di F.J. Ossang

Dopo il premio per la regia al Festival di Locarno, 9 Doigts, quinto lungometreggio del francese F.J. Ossang, trova una distribuzione in sala: un lavoro dalla natura composita e ricca di fascino, tra suggestioni di genere, riflessioni di ampio respiro, riferimenti letterari e cinematografici.

9 dita di tenebra

In fuga dalla polizia, Magloire viene avvicinato da un uomo moribondo, che gli consegna una grossa somma di denaro. Catturato da una banda criminale, l’uomo viene costretto a imbarcarsi su una nave che porta un carico radioattivo, diretta verso un’”isola che non c’è” da incubo. [sinossi]

Che un’opera come 9 Doigts, quinto lungometraggio del regista F.J. Ossang, abbia trovato una (sia pur limitata) distribuzione in sala, è certo un fatto positivo. Un piccolo riconoscimento da parte della distribuzione italiana, per il regista – e musicista, scrittore e poeta – francese, dopo il Pardo d’argento per la regia a Locarno; nell’auspicio di una visibilità che vada un po’ al di là del semplice circuito festivaliero e della curiosità degli addetti ai lavori. Un risultato che, comunque, non cancella la radicalità del film di Ossang, sospeso tra suggestioni di genere e excursus metafisici, tra accelerazioni quasi pulp e riflessioni di ampio respiro, condite di riferimenti letterari e cinematografici. Un film, quello di Ossang, che inizia in media res, senza dare grossi punti di riferimento allo spettatore: un uomo in fuga, una valigia che passa di mano in mano, una banda e un imbarco su una nave. Le motivazioni dei personaggi, anche quando ci vengono spiegate, restano nebulose, indistinte come le forme che si intravedono sulla nave/vascello che trasporta i protagonisti, distorte come il volto del protagonista Magloire riflesso nell’acqua. Intuiamo che la loro missione, che ha come destinazione un’isola composta da rifiuti plastici, è solo il sintomo di un disfacimento più generale, che ha coinvolto l’intera umanità.

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